Fare film può essere una cosa divertente da fare con gli amici o qualcosa che vuoi davvero fare. Indipendentemente da ciò, è un processo che richiede molto tempo, tra la scelta di una sceneggiatura, la scelta degli attori e la realizzazione di un vero film, ma una volta apprese le basi, puoi farne uno buono. Dai un'occhiata al primo passo per iniziare con il processo di regia.
Fare un passo
Metodo 1 di 4: Preparazione per le riprese
Passaggio 1. Scegli uno script
Una buona sceneggiatura può far sembrare buono anche un regista mediocre, quindi scegli con saggezza. Puoi anche scrivere la tua sceneggiatura, se è qualcosa che ti piace e te lo puoi permettere. Quando scrivi o scegli una sceneggiatura, ci sono alcune cose a cui prestare attenzione per aiutarti a scegliere la sceneggiatura migliore.
- La struttura è la chiave per una buona storia. La struttura in tre atti è uno strumento comunemente usato dagli sceneggiatori per creare una buona storia. Funziona così: preparazione o iniziazione (Atto 1), confronto (Atto 2), risoluzione (Atto 3). La svolta principale si è verificata alla fine dell'Atto 1 e dell'Atto 2.
- Una buona sceneggiatura mostra piuttosto che raccontare. Vuoi che il tuo pubblico indovini cosa sta succedendo in base ai gesti degli attori, cosa indossano, cosa stanno facendo e come pronunciano le parole. Uno scenario molto naturale e visibile.
- Ogni scena deve avere una linea di slug, che indica se la scena è stata girata all'interno (interno) o all'aperto (esterno), se è stata girata di notte o durante il giorno e dove si trova. (Esempio: INTERNO SOGGIORNO -- NOTTE.)
- Quando si descrive un'azione, si descrive l'azione effettiva ed effettiva che viene visualizzata sullo schermo. Ad esempio, invece di dire “John è entrato in soggiorno. È arrabbiato perché la sua ragazza lo ha lasciato.” Dovresti dire “John è venuto in soggiorno. Ha sbattuto la porta sul retro e ha colpito il divano".
Passaggio 2. Crea uno storyboard o una sequenza di scene per la tua sceneggiatura
La sequenza di ogni scena è importante in modo da sapere come orientare al meglio ogni scena, quale angolo di ripresa vuoi, quale vista vuoi vedere. Non devi attenerti alla sequenza di scene che girerai, ma ti darà una direzione per iniziare.
- Le cose che puoi impostare includono: quali caratteri appaiono in ogni fotogramma, quanto tempo ci vuole tra il fotogramma corrente e quello precedente, l'angolazione della telecamera nel fotogramma (che tipo di ripresa vuoi).
- La sequenza delle scene non deve essere perfetta. Ti dà solo l'anima della sceneggiatura e come può essere realizzata.
- Definisci il tuo stile cinematografico. Un film stoico su un detective privato negli anni '20 avrebbe un aspetto molto diverso da una commedia sincera sui rischi della genitorialità. Il modo migliore per far fallire il tuo film è cambiare lo stile a metà scena, in modo che una commedia commovente diventi improvvisamente una tragedia senza preavviso. Questo non vuol dire che le commedie non possano avere scene che mostrano la tragedia, o viceversa, ma che il tuo film, specialmente se hai appena iniziato a dirigere, dovrebbe enfatizzare uno stile.
Passaggio 3. Ottieni finanziamenti per il tuo film
Non puoi fare un film senza finanziamenti, soprattutto se vuoi che il tuo film venga visto non solo dalla tua famiglia. L'attrezzatura per la realizzazione di un film costa denaro, hai bisogno di oggetti di scena, location, attori e tecnici. Tutto costa denaro.
Se vuoi fare un film indipendente, dovresti comunque provare a trovare un produttore per il tuo film, qualcuno che conosca il finanziamento del film, trova una location per le riprese
Passaggio 4. Seleziona gli attori per ogni ruolo
Se non hai i soldi, probabilmente sceglierai il tuo, ma per il resto è una buona idea assumere un direttore di selezione degli attori per farlo. In generale, il direttore della selezione degli attori ha più accesso alla determinazione dell'attore giusto per il tuo film.
- Vuoi che le persone che hanno recitato in altri film capiscano come funziona. Gli attori teatrali non sono adatti a questo, perché recitare in teatro e recitare nei film sono molto diversi.
- Ci sono alcuni nuovi attori che non sono molto costosi. Quello che cerchi è carisma e talento. Questo di solito significa non solo scegliere il tuo amico per il ruolo (a meno che tu non stia dirigendo film solo per divertimento).
Passaggio 5. Trova luoghi, oggetti di scena e materiali
I film hanno bisogno di un luogo (camera da letto, soggiorno, strada, giardino e così via). A volte puoi scattare foto in questi luoghi gratuitamente e a volte devi pagare per questo. Invece, avrai bisogno di oggetti di scena, costumi, trucco e materiali di ripresa (microfono, fotocamera e così via).
- Se hai un produttore, questo è quello che faranno. Assicurati di avere tutto ciò di cui hai bisogno e il permesso di scattare foto in un luogo specifico. Altrimenti lo farai da solo.
- Se hai davvero fondi molto limitati, parla con amici e familiari. Potresti conoscere qualcuno che è molto bravo a truccarsi per essere un truccatore, o forse tua zia ha una collezione di vestiti.
Passaggio 6. Pianifica di conseguenza
Se non hai una visione chiara e un piano per come andrà il tuo film, che tipo di film vuoi che sia, sarà un processo di produzione cinematografica difficile. Hai bisogno di una configurazione specifica e devi sapere tutto ciò che deve essere fatto per rendere il processo di ripresa un successo.
- Fai una lista di scatti. È fondamentalmente un elenco ordinato di tutte le scene del film che descrivono inquadratura, lunghezza focale, movimento della telecamera e cose da tenere a mente (forse preoccupazioni durante le riprese). Puoi anche farlo con uno storyboard o una sequenza di scene, qualunque cosa sia conveniente per te.
- Crea uno script più dettagliato. È fondamentalmente un processo in cui identifichi ogni singola cosa necessaria per girare, inclusi luoghi, oggetti di scena, effetti e così via. Questo sarà più facile se hai un produttore che ti aiuta a farlo.
- Revisione tecnica con tutti i tuoi tecnici. Ciò significa esaminare i luoghi delle riprese e ogni singola ripresa con un tecnico in modo che tutti sappiano esattamente cosa aspettarsi in ogni ripresa. Puoi discutere di possibili problemi (cose come illuminazione specifica, problemi audio e così via).
Passaggio 7. Imposta un programma di ripresa
Se riesci a trovare un buon assistente alla regia, ne vorrai uno. Sono quelli che sgrideranno gli attori quando necessario e faranno cose come registrare ogni revisione tecnica e programmare tutte le riprese.
Le impostazioni del programma di ripresa impostano fondamentalmente il programma in cui verranno trasmesse le riprese. Non è quasi mai nella cronologia delle riprese, ma di solito ha più a che fare con l'illuminazione o le impostazioni della fotocamera
Metodo 2 di 4: Lavorare con gli attori
Passaggio 1. Studia la sceneggiatura prima di girare
Questo sembra un passaggio molto ovvio, ma è molto importante. Quando stai facendo un vero film, vuoi che gli attori si sentano a loro agio con ciò che possono e non possono fare.
- Inizia leggendo la sceneggiatura insieme, dove tu e i tuoi attori sedete e studiate ogni scena. Si sentiranno più a loro agio con le parole, con te e con gli altri, il che renderà le riprese molto più facili.
- In effetti, gli attori di talento non hanno bisogno di molta pratica prima di girare ed è meglio non provare troppo le scene ad alto contenuto emotivo in modo che sembrino naturali quando girate nella vita reale, ma solo se lavori con personaggi famosi e di talento attori, quindi se stai lavorando con nuovi attori, è una buona idea studiare la sceneggiatura prima di girare.
Passaggio 2. Assicurati che gli attori abbiano imparato i loro ruoli
Gli attori non possono dare una performance straordinaria senza conoscere i dettagli della sceneggiatura. Non vuoi che si presentino all'improvviso il giorno delle riprese senza aver imparato il loro ruolo. Ecco perché la pratica è così importante.
Passaggio 3. Descrivi la conversazione in ogni scena
Questo significa cosa c'è nella scena in base al dialogo. Dirà anche ai tuoi attori quali personaggi interpretano nella scena e nel film, il che determinerà come li dirigerai.
- Più o meno come recitano nel film. Quello che vuoi dai tuoi attori è una forte presenza anche quando non stanno facendo nulla. Un attore può mostrare il suo personaggio senza fare molto.
- Ad esempio: John, il burbero protagonista sopra, interpreterà ruoli diversi a seconda che odi la sua ragazza che lo ha lasciato, o se sia ancora innamorato della sua ragazza (o di entrambi).
Passaggio 4. Sii calmo, concentrato e chiaro
I cliché arrabbiati, le urla del regista sono solo cliché. Come regista, sei responsabile (se non hai un produttore), il che significa che tutti cercheranno da te per una direzione calma e chiara.
- Questo è il motivo per cui sequenze e script dettagliati sono così importanti. Puoi rimandarli a ogni scena e mostrare la tua visione a chiunque lavori per te.
- Ricorda che i film sono fatti dal contributo di molte persone diverse, anche se registi e attori ottengono più premi. È meglio che non ti comporti come il tuo sé più importante, quando discuti con i tuoi attori e la troupe cinematografica.
Passaggio 5. Fornire istruzioni specifiche
Questo è per gli attori. Se stai spiegando la conversazione ai tuoi attori e la tua visione del film, non dovrebbe essere un problema per loro fare ciò che hanno fatto nella loro scena, ma è importante che tu fornisca istruzioni specifiche, anche istruzioni come "prova a recitare il ruolo di nuovo con più veloce."
- Prendi il nastro più e più volte. Nella tua lista delle riprese, scrivi le cose importanti che vuoi che il tuo attore faccia. Il tuo feedback e le tue richieste più chiare e dettagliate renderanno più facile per gli attori e le troupe cinematografiche seguire la tua visione.
- Dai un feedback negativo o dettagliato all'attore personalmente. Puoi anche farlo quando ci sono altre persone, purché solo l'attore che riceve il feedback lo senta. Questo è un modo per non mettere all'angolo gli altri.
- Assicurati di dare un feedback positivo. Gli attori amano sapere che la loro interpretazione è apprezzata e che stanno facendo la cosa giusta. Assicurati di farglielo sapere, anche se è solo una piccola cosa come “Mi è piaciuto molto quello che hai fatto nell'ultima scena; proviamo come quando abbiamo girato la scena."
- A volte, se hai dei bravi attori, è bene lasciare che facciano quello che pensano senza dare troppe indicazioni. Anche se questo potrebbe non andare sempre secondo i tuoi piani, scene e film hanno la possibilità di ottenere nuove direzioni.
Metodo 3 di 4: Scattare foto
Passaggio 1. Conoscere i diversi tipi di ripresa e gli angoli di ripresa
Quando stai dirigendo, devi conoscere le diverse posizioni di ripresa e le diverse telecamere e movimenti della telecamera in modo da sapere come girare ogni scena e cosa dovresti cercare di ottenere ogni scena. Le diverse posizioni e tipologie di riprese effettuate modificano la visuale della scena.
- Inquadratura (o campo lungo): campo lungo estremo (di solito uno scatto iniziale, da un miglio di distanza), campo lungo (questo è un campo di "vita" che si occupa della distanza tra il pubblico e lo schermo in un cinema; si concentra su i personaggi e lo sfondo dell'ambientazione), piano medio (questo è solitamente usato per scene di dialogo o per vedere determinate azioni più chiaramente e di solito è costituito dai 2/3 del personaggio dalla vita in su), primo piano (questo colpo si concentra su un viso o oggetto con uno sfondo sbiadito, solitamente usato per entrare nella mente di un personaggio), primissimo piano (di solito focalizzato su dettagli specifici come la bocca o gli occhi, solitamente usati per qualche effetto drammatico).
- L'angolazione della telecamera definisce la relazione tra la telecamera e qualsiasi cosa tu voglia riprendere e fornisce informazioni emotive allo spettatore sull'oggetto o sul personaggio nell'immagine. Vista a volo d'uccello (mostra una scena che è diretta dall'alto, ponendo lo spettatore in una posizione simile a quella di un dio e facendo sembrare riconoscibili le cose normali), angolo alto o angolo alto (questo richiede una telecamera che usi una gru e dà un'idea di cosa sta accadendo). si verifica), livello degli occhi (questo è un angolo più normale con la telecamera che agisce come qualcun altro che guarda la scena), angolo basso o angolo basso (tende a far sentire lo spettatore impotente, o confuso e fissa un oggetto può ispirare paura o disorientamento).), angoli inclinati (utilizzati principalmente nei film horror, questa inquadratura ispira sentimenti di squilibrio, transizione e instabilità).
- Il movimento della fotocamera fa apparire l'azione più lenta rispetto ai tagli veloci, ma può anche dare un effetto più "reale". Panoramica (visualizza la scena orizzontalmente), inclina (visualizza la scena verticalmente), dolly shot (noto anche come inquadrature di tracciamento/camion, in cui la telecamera segue l'azione di un veicolo in movimento), riprese a mano libera (le fotocamere Steadicam rendono le riprese a mano gli scatti appaiono non intermittenti, mentre sembrano ancora vicini e reali), scatti di gru (questo è più o meno lo stesso di un dolly shot in aria), lente d'ingrandimento (questo cambia l'ingrandimento dell'immagine, cambiando la posizione dello spettatore più lentamente o più veloce), riprese aeree (scattare immagini come una ripresa con una gru, ma scattata da un elicottero e solitamente utilizzata per le riprese all'inizio del film).
Passaggio 2. Vieni quando chiamato
Questo è fondamentalmente il momento in cui l'equipaggio organizza tutto. Se hai un assistente alla regia, non devi essere lì, ma è una buona idea metterlo in mostra. Puoi iniziare a pensare alle riprese quel giorno e considerare il modo migliore per farlo e se devi cambiare qualcos'altro.
Passaggio 3. Esercitati a sparare
Prima di iniziare le riprese e mentre la troupe sul campo prepara l'attrezzatura, addestra gli attori e decidi cosa dovrebbero fare con la telecamera (dove dovrebbero stare, che tipo di ripresa dovresti usare, come dovrebbero pronunciare la sceneggiatura).
Sperimenta con il mirino o la fotocamera per testare come funziona scattando da diverse angolazioni. A questo punto, potresti voler modificare e ridefinire alcune scene e inquadrature per ottenere la scena che desideri
Passaggio 4. Imposta lo scatto
Per ogni scatto, devi conoscere la lunghezza focale, il posizionamento della telecamera, i segni degli attori (dove dovrebbero stare, ecc.), Per quanto riguarda l'obiettivo utilizzato e il movimento della telecamera. Organizzerai le riprese, usando tutte le diverse considerazioni, con il tuo direttore della fotografia.
Ora, a seconda del tipo di stile di regista che hai e dello stile del tuo direttore della fotografia (potresti essere l'unica persona a prendere le decisioni durante le riprese), dovrai fornire molta o poca direzione. Discuti con loro dell'illuminazione e di come funziona la fotocamera fino a quando le riprese non sono pronte
Passaggio 5. Scatta una foto
Le riprese non richiedono molto tempo e di solito si tratta di brevi scene girate. Cammini lungo la scena, usando il movimento della telecamera e il posizionamento, e così via che sei pronto a fare con il tuo direttore della fotografia. Quando lo licenzi, sei pronto per vedere come va.
Passaggio 6. Rivedere lo scatto
Rivedere lo scatto dal monitor ti consente di considerare come migliorare la scena, come adattare la scena alla tua idea originale. Quindi, ripeterai la scena finché non sarà di tuo gradimento.
Questo è molto diverso dal rivedere la stanza delle correzioni in seguito. Lì, hai il tempo, la chiarezza e la prospettiva per vedere ogni singola cosa che puoi fare per migliorare la scena
Metodo 4 di 4: finire il film
Passaggio 1. Eseguire la correzione della pellicola
Quello che stai cercando di fare in questa fase è disporre tutte le modifiche del film in modo fluido, fluido e coerente. Come regola generale, vuoi tagliare l'azione, in modo che non gran parte dell'azione sia noiosa per il pubblico. Ciò significa che tagli da una scena all'altra per mostrare (come John che apre la porta del soggiorno). Combinerai la scena con la prima parte riguardante il movimento di John nell'inquadratura lontana e la seconda parte nell'inquadratura più ravvicinata.
- Il movimento di ritaglio tra i fotogrammi è un'inquadratura aperta. Ad esempio, un'inquadratura media di due uomini che parlano, uno degli uomini si muove e mostra chiaramente la sua faccia malvagia.
- Taglia la cornice vuota, dove arriva il soggetto. Ad esempio, viene spesso utilizzato quando qualcuno scende da un'auto, dove si vedono solo i piedi. Le gambe si muovono nella cornice vuota.
- Ricorda, quando ritagli, occorrono 2 fotogrammi di pellicola (equivalenti a 1/12 di secondo) perché gli occhi dello spettatore si spostino da un lato all'altro dello schermo.
Passaggio 2. Crea una composizione musicale
Per la colonna sonora, assicurati che funzioni con il film. Questo non è peggio di una colonna sonora che non corrisponde al tono e all'aspetto del film. Quando parli di composizione musicale con il tuo cantautore, parla di cose come lo stile musicale, gli strumenti, la velocità della musica, la firma musicale e così via. I cantautori devono conoscere la tua visione del cinema per creare la colonna sonora giusta.
- Ascolta la demo che ti ha dato il cantautore, in modo da poter vedere come è arrivata e finita la canzone e dove era necessario apportare modifiche.
- Al giorno d'oggi, se stai creando la tua musica, devi assicurarti di non rubare i diritti d'autore della musica di altre persone per i tuoi film, perché finirai nei guai. Hai tutto il tempo per trovare un cantautore economico nella tua città. Probabilmente non raggiungerà un livello professionale (ma anche il tuo film non è eccezionale), ma può comunque produrre un buon suono.
- C'è differenza tra colonna sonora e colonna sonora. Una colonna sonora è musica preregistrata che corrisponde alla scena o al contenuto, al ritmo e all'atmosfera. La partitura è musica che accompagna in modo specifico determinate immagini o motivi in un film (come il "tema ingannevole" in "conversazione").
Passaggio 3. Aggiungi il mix audio
Ciò significa garantire che la colonna sonora si adatti al film. Ciò significa anche rimuovere e aggiungere suoni che devono essere aggiunti o aggiungere suoni già esistenti. Puoi cambiare il suono che non dovrebbe essere presente (come il rumore di un aereo) o cambiare il suono che dovrebbe essere presente.
- Suono diegetico significa che il suono è creato da ciò che lo spettatore può vedere nell'immagine. Anche se di solito viene rilevato durante le riprese, di solito viene aggiunto in seguito, ad esempio aggiungendo suoni ambientali (esterni) e interni (interni) per mascherare suoni come i rumori degli aerei, ma non per attutire il rumore.
- Suono non diegetico significa suono che proviene dall'esterno dell'immagine, come le partiture.
Passaggio 4. Mostra il tuo film
Ora che hai realizzato il tuo film, lo hai rivisto e hai aggiunto suoni diversi, sei pronto per mostrarlo. A volte questo significa riunire alcuni amici e familiari e mostrare i frutti del tuo lavoro, ma puoi anche trovare altre strade, soprattutto se questo è qualcosa che è molto importante per te.
- Molte città e stati hanno festival cinematografici a cui puoi partecipare. In base alla qualità del film, il tuo film potrebbe vincere, ma almeno un pubblico più vasto di quello della tua famiglia e dei tuoi amici lo vedrà.
- Se hai un produttore, questo è quello che fanno di solito e di solito non otterrai il via libera per eseguire il tuo progetto se non c'è una distribuzione programmata dopo che il film è finito.
Suggerimenti
- Se sei seriamente intenzionato a diventare un regista, dovresti studiare i film che ami per vedere come vengono realizzati e come vengono diretti gli attori nei film. Dovresti leggere sceneggiature e libri di film come Grammar of Film Language.
- Quando correggi le azioni di un attore, sii fermo ma non giudicante. Hai bisogno che i tuoi attori ti rispettino.
- Prendere lezioni di recitazione è un ottimo modo per i registi di imparare i dettagli dell'essere attori e renderà più facile dirigerli, perché conosci i metodi e la terminologia che usano.
Avvertimento
- Se il tuo attore non è a suo agio con te, non avrai una buona esperienza o un buon film.
- Non farai dei blockbuster la prima volta che dirigerai un film. Se fai sul serio (e non solo ti diverti!) dovrai lavorare sodo, e magari andare a scuola di cinema.
